terça-feira, 21 de setembro de 2010

UNStudio, Youturn

UNStudio

Desde o início, o nome do escritório de Ben van Berkel do projeto diz que esta não é uma empresa típica arquitetura: UNStudio. O nome não evoca imagens de um grupo de arquitetos laborioso, mas de uma associação global, um grupo diversificado de indivíduos informados pelas igualmente diversas idéias que são giradas por meio do intercâmbio e da cooperação em equilíbrio harmonioso. E que, de fato, é o que é UNStudio - uma reflexão prospectiva rede de especialistas em arquitetura, desenvolvimento urbano, infra-estrutura, engenharia, filosofia, moda, arte, mídia e publicações, cujo intenso, animado e, muitas vezes ousadas colaborações produzir construído trabalho extraordinário originalidade da beleza e impacto.
A natureza interdisciplinar da negrito UNStudio tem atraído a atenção internacional. "Poucos arquitetos hoje o requinte de Ben van Berkel, proclamado" Nicolai Ouroussoff no New York Times, no verão de 2007. "Trabalhar com sua parceira, Caroline Bos, aos 50 anos de idade, natural Amsterdam se tornou uma de um punhado de designers cuja abordagem, impulsionada por uma fascinação com as novas tecnologias era do computador, tem um toque de profético. De todos eles, até agora mais se aproximam de cumprir o sonho de um mundo verdadeiramente elástico, no qual as fronteiras entre trabalho e diversão, vida privada e pública, se derreteu."
Quando van Berkel começou a praticar em Amsterdã em 1988 com Bos (sua esposa, que é historiadora de arte e jornalista), a sua empresa se chamava simplesmente van Berkel Bos. Mas dentro de uma década, os parceiros reconheceram que a prática arquitetônica tradicional e os processos criativos já não estavam em sintonia com as comissões cada vez mais complexas que eles estavam recebendo, para não falar das novas tecnologias e técnicas de construção que foram alterando a forma como os arquitetos projetam e constroem.
Como Bos salienta, "Arquitetura tinha mudado de um processo de colaboração em um introvertido, complexo multipartidário." O que ela e van Berkel imaginaram foi uma aliança, pouco ortodoxo colaboração de pensadores de dentro e até fora do domínio da arquitetura e engenharia, incluindo uma rede de indivíduos talentosos que traria um conjunto diferente de habilidades e valores, bem como multidisciplinar input criativo, em projetos da empresa. Assim, em 1999, van Berkel Bos mudou de marcha, expandiu os seus procedimentos, e se tornou United Network Estúdio: UNStudio.
É um nome incomum para uma empresa de arquitetura, mas capta o espírito de um modelo de negócios incomum para a profissão: Há diretores de projeto (incluindo Bos, cujos títulos incluem "crítico interno" e "analista") e parceiros, arquitetos e designers, especialistas financeiros e teóricos. Os artesãos trabalham em colaboração com Harvard e Columbia arquitetos formados, e os consultores técnicos da Alemanha e da Inglaterra. Criativas mentes de várias partes do mundo - filósofos, artistas, designers de moda, os meteorologistas tendência - são convidados a participar equipes de projeto multidisciplinar, no estúdio do arquiteto em Amsterdam, canal de idéias que influenciam profundamente a concepção de novas abordagens. O pessoal desses grupos muda a cada projeto, de modo que o pensamento é sempre fresco e específico para as tarefas à mão.
Esse método é o combustível UNStudio: inovador, dinâmico, criticamente aclamado por projetos para casas privadas, complexos residenciais, edifícios comerciais e museus em toda a Europa, bem como os planos diretores urbanos para reconstruções em Espanha, Holanda e Itália. UNStudio criou pontes escultural em Dresden, Amsterdam e Génova, de 18 andares emblemática Tóquio para Louis Vuitton, um spa e um hotel nos Alpes suíços, e mesmo esses avanços design industrial como utensílios de cozinha revolucionária para a B & B Italia espelhados e conjuntos de chá de Alessi. A produção da empresa é realmente a encarnação do que, de meados do século, o arquiteto italiano Ernesto Rogers chamada concepção "da colher à cidade", ligando os mundos público e privado.
UNStudio trabalha com pulsos de energia. Pegue um dos seus mais influentes projetos de construção: a Casa Möbius fora de Amesterdão (1998), que caracterizou o marco de 1999 mostra "Un-Private House" no Museu de Arte Moderna de Nova York. Com base na fita de Möbius, uma forma geométrica infinita looping, esta casa de vidro e concreto angular incha e para baixo como uma formação de dunas de arquitetura, como bloqueio corredores levam a sobreposição salas designadas para o dia versus atividades noturnas.
Um dos mais recentes projetos de construção, o Museu Mercedes-Benz em Stuttgart, Alemanha (2006) capta o movimento da mesma forma em concreto, aço e vidro. Como em Nova Frank Lloyd Wright Guggenheim York, os visitantes do vento seu caminho rampas de cerco não um, mas dois átrios circular, apesar de na Mercedes-Benz Museum os carros em exposição cerca de zoom rampas.

Van Berkel empresa certamente não se amarrou a um único tipo de edifício ou de uma marca de estilo visual. Seu surpreendente, dobrado, laranja opaco Teatro Ágora, em Lelystad, Holanda (2007) é envolvido em uma pele sobreposição facetada que produz um efeito moiré caleidoscópica destina-se a traduzir o dinamismo das artes teatrais e novas mídias. Villa NM, o primeiro projeto UNStudio concluído nos Estados Unidos, é uma casa de campo compacta e coerente de materiais não convencionais, mas adequados, que permitem um jogo manhoso de privacidade e de permeabilidade.


Bem van Berkel (fundador)



Ben van Berkel estudou arquitetura na Academia de Rietveld em Amsterdã e na Architectural Association em Londres, recebendo o Diploma de Honra AA, em 1987. Seus primeiros projetos foram construídos quase que imediatamente após a fundação Van Berkel e Bos Architectuur Mesa. Entre os edifícios desta primeira fase, são Karbouw, a estação de electricidade Remu e Villa Wilbrink. Ser eleito para o desenho da ponte Erasmus, em Roterdão (1996), afetou profundamente a sua compreensão do papel do arquiteto e hoje constitui o fundamento da sua abordagem colaborativa à prática, levando à fundação da UNStudio em 1999.
No período intercalar azul resultou na realização de projetos como A Casa de Moebius, Het Valkhof Museum (1998), e do Príncipe Claus Bridge (2003). Os projetos recentes, que mostram o seu interesse de longa data na integração da construção e arquitetura, são: o Museu Mercedes-Benz em Stuttgart e Central Arnhem. Ele foi professor visitante na Universidade de Princeton e tinha ensinado na Universidade de Columbia, o Instituto Berlage e UCLA. Atualmente é Professor de Concepção e chefe do departamento de arquitetura na Staedelschule em Frankfurt am Main (Alemanha). Ben van Berkel, co-autor de um número significativo de dissertações e monografias.


Caroline Bos (co-fundadora)


Caroline Bos estudou História da Arte no Birkbeck College da Universidade de Londres. Após co-fundador Van Berkel e Bos Architectuur Bureau, em 1988, parou de trabalhar como jornalista para se concentrar em ser o crítico interno para a prática, escrevendo de tudo, desde os contratos de trabalho para os ensaios e as descrições dos projetos que ainda estavam a ser projetado. Em 1999, Ben van Berkel e Caroline Bos fundada UNStudio; uma rede de especialistas em arquitetura, desenvolvimento urbano e infra-estrutura. Como analista, ela esteve envolvida em todos os projetos UNStudio. Suas observações e síntese sobre as diferentes questões programáticas tornou-se parte integrante do trabalho das equipas de projecto diferentes.Com Ben van Berkel era editor do Fórum (1985-1986) e da publicação, qualquer "Diagrama Works" (1998). Ela estava visitando professor na Universidade de Princeton e tem ensinado no Instituto Berlage e UCLA. Seu interesse no conceito de o arquiteto se reflete nos livros que tem co-escrito por Ben van Berkel: "Ben van Berkel Arquitecto" (1992), "delinqüente Visionários" (1990), 'Mobile Forces "(1994),' Move '(1999), Unfold (2003), "Modelos de Design" (2006).Caroline terminou recentemente um mestrado em planejamento urbano e regional, da Faculdade de Geociências da Universidade de Utrecht.





Bienal de arquitetura de Veneza 2008 (UNStudio – Chicago Rooms)


A instalação explora o potencial de transformação do mundo material. Assim como os designers de moda, os arquitetos oferecem alternativas de looks e identidades, ‘cascas’ apropriadas à época e ao poder aquisitivo. Essas construções consistem de um pacote misto de valores endógenos e exógenos: coisas e idéias que são inerentes à arquitetura e suas tradições e coisas e idéias que não são, mas que, ainda assim, influenciam profundamente a arquitetura. Como lidar com isso? Pode a arquitetura ainda ter essa autonomia? De acordo com UNStudio a lição é: ‘ligar, desligar’ para encontrar a autonomia em momentos de libertação. Dentro da estrutura, o visitante encontra um mundo caleidoscópio de pessoas fazendo poses, convidando ao voyerismo e buscando a transformação em sua própria conceituação.”
Entre estes dois edifícios é muito diferente uma vaga de trabalho que surpreende na sua variedade. Isso porque UNStudio acha sobre mais de fazer formas dinâmicas, imagina o coletivo de todos os muitos segredos de um site, as exigências do programa do cliente, desafios tecnológicos, e as forças culturais de trabalho para chegar à solução correta de cada vez - verdadeiramente a pensar fora da caixa. Na Câmara Möbius, que a solução veio da diagramação de actividades diurnas e nocturnas que rende looping da casa, formas de bloqueio; Cinco Franklin Place, leitura van Berkel histórico de Tribeca cornijas Italianate ferro fundido conduzir a formas de fachada radical que torcer como fitas envolver o edifício com terraços uma marca nova interpretação da decoração como uma ferramenta funcional.
Além de abordar os desafios da construção do mundo real, os arquitetos da UNStudio pesquisam constantemente, escrevem e ensinam em escolas do mundo do design de topo, como forma de enriquecer as suas próprias idéias do projeto e desenvolver sua prática.
Entre os vários livros publicados sobre o trabalho da empresa são os títulos que van Berkel e Bos ter co-escrito: Mobile Forces (1994), uma monografia híbrido e compêndio de escritos teóricos; Visionaries Delinqüente (1990), uma coletânea de ensaios, e os três coleta de volume Move (1999), que mistura imagens do trabalho da empresa com reflexões sobre o que vêem como o papel do arquiteto na sociedade contemporânea, reconhecendo que as alterações sociais, econômicas e tecnológicas em todo o mundo. Design Models: Arquitetura Urbanismo Infra-estrutura é um catálogo de raisonnée UNStudio trabalho, incluindo a documentação de cada projeto a partir do primeiro conceito esboços através da realidade construída, publicado em 2006.
Van Berkel atualmente leciona na Staedelschule em Frankfurt, tendo ocupado visitando lugares em Princeton, Columbia e UCLA; Bos ensinou na UCLA e Princeton.
Embora intelectualmente rigoroso, o objetivo dos arquitetos final não é para impressionar com conceitos elevados. Os espaços de design para que as pessoas ocupam e se abraçam. Como van Berkel tem escrito: "O objetivo de nossa arquitetura é inspirar pensamentos e imagens e, assim, torná-lo atraente para as pessoas ficarem mais tempo e voltar aos lugares que nós fazemos para eles."


Reflexão autoral


Esse terreiro é totalmente impregnado da essência do Eu sou a rua, como local de passagem ou permanência, chegada e saída, é público, democrático, assim como na rua, o tempo pode ser imposto e ofertado aqui, é hora de parar, entrar em outra dimensão, um dentro-fora de uma exposição, pode-se viajar nas curvas da estrutura elástica, quase inexistentes na arquitetura brasileira, ou manter a atenção focada nas conversas e debates que acontecerão. É o indivíduo que se apropria do espaço, é o espaço que se apropria da bienal. Se platéia ou centro de atenção, oprimido ou liberto. A própria equipe da UNStudio é rua, para diferentes trabalhos, diversas equipes com várias áreas trabalhando em união. O projeto que virá para a bienal é composto de uma arena de debates, cercados das entradas e arquibancadas, é previsto que caibam quarenta pessoas dentro da estrutura, pode-se relacionar com as antigas ágoras da polis grega, onde aconteciam os discursos hermenêuticos e as discussões.




Referências:


http://www.unstudio.com/





http://www.eikongraphia.com/?p=1355

domingo, 19 de setembro de 2010

Programação do terreiro nos primeiros 15 dias da 29ª Bienal


Fonte: http://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/799722-veja-a-programacao-completa-dos-terreiros-da-bienal.shtml

Foi definido na quarta-feira (15) o programa dos eventos dos 15 primeiros dias da mostra que irá se desenvolver basicamente em três terreiros, espaços de convivência organizados pela curiadoria da Bienal.

São eles: "A Pele do Invisível", dedicado à exibição de filmes, "O Outro, O Mesmo", para performances, e "Eu Sou a Rua", para práticas discursivas.

Veja abaixo a programação completa [do terreiro Eu Sou A Rua]:

SÁBADO (25)
14h - Antonio Macotela - O Jovem artista mexicano conversa com o público sobre seu projeto para a 29ª Bienal.

16h - Joseph Kosuth - Joseph Kosuth, pioneiro da arte conceitual, reflete sobre seu texto "Art After Philosphy" e apresenta suas obras recentes.


DOMINGO (26)
13h - Cartoons Políticos - Humor e Política - Jean Plantu e Chico Caruso - a Bienal promove um debate sobre o potencial crítico do cartoon e de outras formas de sátira política, e sobre as tentativas recentes de controle e censura do humor político no Brasil e no mundo.

17h30 - Pedro Barateiro - Apresentação de leitura performática do artista português Pedro Barateiro, desenvolvida para a Bienal de São Paulo.


SEGUNDA-FEIRA (27)
17h - Nora Hochbaum, Florencia Battiti, (Parque de la Memoria) Marcio Sellingman (UNICAMP), Cecília Maria Bouças (Tortura Nunca Mais). – O debate discute as estratégias para transformar em fala coletiva a memória da ditadura na América Latina.


TERÇA-FEIRA (28)
17h - Jonathas de Andrade e Gabriela Salgado - O debate tem como ponto de partida a obra criada por Jônathas para a Bienal, desenvolvida através da discussão sobre os cartazes associando imagens e palavras usados por Freire.


SÁBADO (02)
16h - Marilena Chauí - A Filósofa e professora inicia uma série semanal de conversas com o público sobre assuntos e obras da 29a Bienal de São Paulo. As conversas acontecem em 2, 9, 16 e 23 de outubro, sempre às 16hs.


SEGUNDA-FEIRA (04)
17h - Buala - Marta Lança e Marta Mestre - Marta Lança e Mestre irão apresentar o site Buala, que propõe uma discussão sobre a arte africana contemporânea, afirmando a necessidade de fortalecimento do intercâmbio entre países da esfera lusofônica.


QUINTA-FEIRA (07)
18h - Marcius Galan + José Augusto Ribeiro - Marcius Galan conversa com o público sobre seu projeto para a 29a Bienal, "Ponto em escala real", em companhia de José Augusto Ribeiro.

20h - Henrique Oliveira + Ricardo Rezende - Henrique Oliveira conversa sobre seu projeto para a 29a Bienal, "Origem do Terceiro Mundo", em companhia de Ricardo Resende.

quarta-feira, 15 de setembro de 2010

O terreiro Eu Sou a Rua

In: http://www.29bienal.org.br/FBSP/pt/29Bienal/Canal29/Paginas/Noticia.aspx?not=46

ENTREVISTA EU SOU A RUA – O LUGAR DA CIDADE NA EXPOSIÇÃO

​Partindo da ideia de que o terreiro é o espaço de debates e falas, o lado discursivo da Bienal, o UNStudio concebeu um projeto arquitetônico que atende a dinâmica de uma exposição de arte que acontece cotidianamente. Assim como em sua produção que acontece pontualmente em espaços urbanos, em contato direto com a rua, propõe para a Bienal um lugar, que já em sua forma, anuncia uma aproximação com a própria dinâmica da circulação e do encontro necessários para uma exposição desse porte. Em entrevista concedida recentemente, Ben van Berkel, arquiteto-chefe, define pontos que envolvem as aproximações entre sua poética, a potência construtiva da arquitetura e os interesses definidos por uma vocação específica, ou seja, uma arquitetura de negociação.

Você define o UNStudio como sendo um escritório de arquitetura com prática internacional, que concebe projetos tanto na esfera pública, quanto privada, em diversas escalas urbanas. Considerando que projetos arquitetônicos estabelecem estreitas relações com o espaço geográfico e social, assim como com recursos da criação que incluem atividades políticas e estéticas, como a prática poética se mostra em seus projetos? Qual a veia criativa do UNStudio?
Ben van Berkel: Projetamos com palavras. Se ao ler tais palavras você é capaz de construir frases ou uma cadência, isso é por sua conta. Há muitas maneiras distintas de ler e interpretar tais palavras. Às vezes há espaço para uma interpretação estética ou cultural, mas isso depende de cada indivíduo. Quando fazemos o projeto, preferimos evitar exagerar na didática e deixar a interpretação aberta para as diversas leituras possíveis.

Como é a troca e a interação entre os arquitetos e a rede cultural deste novo espaço de construção, que foca nesta “importante contribuição à arquitetura como disciplina” e que engloba “consciência ambiental, demanda de mercado e os desejos do cliente”?
BVB: Ultimamente acreditamos na arquitetura possível, que combina a preocupação ambiental e sustentável com os sonhos e desejos do cliente. Mas esse não é o aspecto mais importante para nós. Para nós, o mais importante é adicionar e reconfigurar o briefing do cliente, de modo que todos os desejos e necessidades logísticas do cliente estejam presentes na arquitetura, ao mesmo tempo em que o projeto tenha algo a mais, decorrente da virtude do processo criativo. Para nós, a faceta mais importante do nosso trabalho é o que adicionamos ao briefing original ou como adaptamos isso de acordo com o que queremos atingir nos nossos projetos.

Na sua proposta para o terreiro “Eu sou a rua”, a cidade e a rua são vistas como um ambiente expressivo, de negociação, além de uma metáfora da arte propriamente dita. Podemos observar que há três expressões interrelacionadas em seu Terreiro, sendo elas a arte, a política e a arquitetura, trazendo à tona um espaço de descoberta, reunião e negociação, e não somente um local, dentro de outro local. Como você estabelece as relações entre as esferas e fortalece sua forma de “ação”, tanto de maneira simbólica quanto formal?
BVB: Como você bem descreveu, é exatamente esse aspecto da negociação que eu quero introduzir nas possibilidades da nossa arquitetura. É uma excelente qualidade da arquitetura de hoje; ela pode ser posicionar em diversos níveis e ter novamente aceitação cultural para essa riqueza de significados e leituras. A arquitetura pode ter sua expressão cultural de forma semelhante à percepção ou interpretação da arte e os arquitetos podem incorporar essa mesma abordagem ao conceber seus projetos. Em dois projetos recentes que fizemos, por exemplo, brinquei com a ideia de procurar as sombras entre os prédios. Isso não tem um sentido literal, mas sim metafórico, que eu gostaria de tratar para falar da forma com que nossa sociedade opera nos dias de hoje. Esse processo é quase um dinâmico jogo de aprendizado através da produção de algo ativo, mas que não produz qualquer resultado explícito. A interpretação metafórica dos espaços pode ser semelhante à leitura de uma obra de arte. Assim, embora a mecânica e a abordagem possam ser bastante semelhantes, os resultados são diferentes.

Em relação ao espaço construído do terreiro (Youturn), você tem alguma sugestão de como o visitante pode usá-lo, como se fosse um “guia do usuário sobre possibilidades de interação”?
BVB: Gosto quando os prédios são organizados de uma maneira tal que se tornam um tipo de guia por si só, mas não de uma maneira linear; não é como escalar um montanha; é mais como se esse guia fosse ramificado e você pudesse descobrir os espaços sem necessariamente ter muita sinalização. Então, o guia do usuário é algo a ser descoberto à medida que você se movimenta no espaço. Não há exatamente um mapa.

O Terreiro “Eu sou a rua” tem uma vocação para debates, encorajando discussões e propostas de interação entre as pessoas. Quais as intenções e estratégias usadas no desenvolvimento dessa construção conceitual e formal?
BVB: Nada mais além do fato de querer criar um ambiente em que outras coisas possam acontecer, além da simples experimentação do objeto propriamente dito. O objeto então se torna também uma máquina de diálogo.

Observado do topo, o formato do Terreiro se parece com a Fita de Möbius. Há alguma referência a esse desenho, buscando ajudar na representação/construção de um fluxo não hierárquico em “Eu sou a rua”?
BVB: Sim.

Outra referência que parece contribuir para seu conceito de Terreiro é o teatro em formato circular, conhecido como teatro de arena. E há uma forte coincidência entre sua proposta e o local onde ocorre o debate Capacete, como você sabe. De que maneira você atualizou sua proposta arquitetônica no Terreiro? Quais são as interconexões entre os dois espaços?
BVB: A estrutura não se refere exatamente à arena ou ao teatro de forma literal. Na verdade, refere-se mais ao caráter de imanência do teatro.

Como conseguiu combinar uma proposta de acessibilidade, convidando à exploração do local, que ao mesmo tempo é “isolado” da área de maior movimento da exposição?
BVB: A estrutura está realmente presente para criar um marco e para funcionar como ponto de intersecção da exposição.

quarta-feira, 8 de setembro de 2010

quinta-feira, 2 de setembro de 2010

Steve Mcqueen


Biografia


Steve McQueen é um artista e cineasta britânico nascido em 1969, em Londres. Vencedor do Golden Camera no festival de Cannes, um Turner Prize e um BAFTA. Atualmente vive em Amsterdã.

Frequentou a Drayton Manor High School. Fez curso de artes em Hammersmith and West London College em seguida freqüentou a escola de Artes e Design no Chelsea College of Art and Design e belas artes no Goldsmiths College quando interessou-se por filmes primeiramente.

Saindo de Goldsmiths em 1993 estudou na Tisch School em Nova Iorque mas, ficou pouco pois considerou a abordagem do lugar experimentalmente insuficiente para ele.

Os filmes de Mcqueen são geralmente estrelados por ele mesmo, são minimalistas e em branco e preto. São influenciados pela nouvelle vague e pelos filmes da Factory de Andy Warhol.

Bear (1993) e DeadPlan (1997) - Releitura da cena do filme de Buster Keaton na qual uma parede de uma casa cai sobre o próprio Mcqueen que fica imóvel e é ‘’salvo’’ por estar posicionado exatamente na altura da única janela existente.

Estes dois filmes tem em comum o fato de serem em branco e preto e mudos. O primeiro filme de Mcqueen a ter som foi Drumroll (1998) que foi também seu primeiro filme a usar múltiplas imagens.O filme, realizado com três câmeras, foi também exibido em três paredes de uma sala fechada. McQueen tem uma única instalação: White Elephant (1998).

Em 2008, Mcqueen realizou o filme Hunger a respeito da greve de fome ocorrida em 1981 numa prisão da Irlanda e, por ele, ganhou os prêmios: Camerá d’Or (primeiro filme do diretor); Sydney Film Festival Prize; 2008 no Diesel Discovery Award no Toronto International Film Festival (pelo voto da imprensa que participa do festival); o New Generation Film 2008 no Los Angeles Film Critics e melhor filme no London Evening Standard Film Awards em 2009.

Atualmente está sendo cotado para a realização do filme Fela, sobre a vida do musico e ativista africano Fela Kuti.

Tradução livre do artigo da Wikipédia: http://en.wikipedia.org/wiki/Steve_McQueen_(artist)



Seleção de exibições solo

2009

British Pavilion, 53rd Venice Biennale; Queen and Country, Scottish National Gallery of Modern Art; Edinburgh and Middlesborough Institute of Modern Art, Middlesborough.

2008

Queen and Country, Royal Festival Hall, Barbican Centre, London and Liverpool Biennial; Pursuit, Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead, Tyne and Wear; Marian Goodman Gallery, Paris.

2007

Running Thunder, Thomas Dane Gallery, London; Gravesend/Unexploded, 52nd Venice Biennale, Venice; Queen and Country, Imperial War Museum, London; Gravesend, Renaissance Society, Chicago; Queen and Country, Central Library, Manchester, commissioned by the Imperial War Museum and the Manchester International Festival.


Seleção de exibições em grupo

2008

International 08, Liverpool Biennale; 7th Gwangju Biennale, Gwangju, Korea; Wizard of Oz, CCA Wattis Institute, San Francisco.

2006

The Starry Messenger: Visions of the Universe, Compton Verney, Warwickshire; Die Neue Kunsthalle III, Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Germany.

2005

Film: Illusion and Imagination in der Kunst, Staatliche Kunsthalle, Germany; En Attente, Forum D'art Contemporain, Luxenbourg; Atlantic and Bukarest, Kunstmuseum Basel, Switzerland; Do You Believe in Reality?, Taipei Fine Arts Museum, Taipei; WOW (The Work of the Work), Henry Art Gallery, Washington; Faces in the Crowd: The Modern Figure and Avant-Garde Realism, Castello di Rivoli, Turin, Italy; Time Clash, Museu de Arte Contemporanea de Serralues, Portugal.



Opinião de críticos

Resumo da reportagem Mourning Glory:

O autor comenta a respeito de muitos filmes de Mcqueen. No primeiro parágrafo o filme Girls, Tricky de 2001 é descrito da seguinte maneira: em 15 minutos de filme, Tricky(o produtor musical Adrian Thaus) está num escuro estúdio londrino e parece ter uma epifania enquanto executa um hino frenético e fuma seu cigarro. A câmera de Mcqueen o circunda e temos a impressão do desejo se transformando em sonoridade.

O jornalista afirma que o filme nos faz ver quanto controlado o momento de perda de controle pode ser e quão ultra-consciente pode ser ‘’martelar’’ o subconsciente.

O filme é tão apreciado que o jornalista o compara a ouvir músicas da Billie Holiday ou do Jimmy Hendrix ou assistir à cena de Fred Aster e Ginger Rogers e assemelha à algo que ele viu em Muhammad Ali quando ele nocauteou George Foreman.

No terceiro parágrafo o trabalho Once Upon a Time – que é a reprodução das imagens lançadas pelo Voyager II, da NASA em 1977 sobre a vida na Terra (esse projeto tinha a função de ‘’nos apresentar’’ aos alienígenas) com uma trilha sonora que pode ser muitas pessoas falando em uma língua que não existe ou talvez seja a junção de muitas línguas. O curioso é que não há imagens de morte, doença ou guerras. E daí vem a discussão de Mcqueen sobre quem somos e quem mostramos ser.

Um outro projeto de Mcqueen, citado no penúltimo parágrafo é o filme 7th Nov. de 2001um filme de 24 minutos em que vemos apenas a parte de cima da cabeça de um homem negro e a trilha sonora é Marcus, um primo de Mcqueen, assumindo como acidentalmente atirou e matou seu próprio irmão.


Mourning Glory


A British video artist engaged with history both as a participant and as an outsider


By Jerry Saltz Feb / 2005


Turner Prize winner Steve McQueen's steamy video Girls, Tricky (2001) shows the creative act unfolding. I melted while watching it. On-screen we see musician-producer Tricky (Adrian Thaws) deliver several takes of a manic song in a darkened London sound studio. McQueen's camera circles Tricky as he puts himself through a kind of psychic avalanche, performing a frenetic hymn, coaxing supernatural sounds from himself while smoking what looks like a giant spliff. Over the course of 15 minutes, we watch as lived experience, thought, and desire are transformed into sonic matter. Girls, Tricky lets you see how controlled this moment of losing control is and how ultra-conscious tapping into the subconscious is. At one point, just when you think Tricky is in another universe, he stops, opens his eyes, and calmly says, "That was good; let's do it again."


De Kooning famously said, "Content is a glimpse." Girls, Tricky provides a glimpse of something I've heard in the voices of Howlin' Wolf, Billie Holiday, and Roy Orbison; Johnny Cash, Kurt Cobain, and Dolly Parton on "Jolene." I saw it in Muhammad Ali just after he knocked out George Foreman, Marlon Brando in Apocalypse Now, the skipping dance of Fred Astaire and Ginger Rogers, and the way Warhol put his fingers to his pouty mouth. I can hear it in Miles Davis; Jimi Hendrix's "Voodoo Child"; the way the lead singer on "Louie Louie" barks, "Let's give it to 'em right now"; and now in Tricky's possessed song. It's the sight or sound of someone turning him- or herself inside out so that one of the selves that lives inside them can momentarily appear. For these reasons a young artist I know, Anat Elberg, calls Tricky "the black Vito Acconci." When someone renders something this raw this well, it begins a journey into forever.


Forever and the limits of identity are places McQueen is interested in—a limbo where self and culture intermingle, where fiction and reality blend into history. This intermingling is rampant in Once Upon a Time (2003), a majestic 70-minute video in which 116 of the images that were launched into space by NASA aboard the Voyager 2 space probe in 1977 are projected in Goodman's darkened main gallery. These pictures were meant to represent us to aliens. Here, each one is screened for a minute before it slowly fades into the next. Few viewers will likely see the entire work in one sitting.


Which may be the point. At this speed, the images are tyrannically oppressive. Kitschy, pious, and ragingly anal, all are universalizing representations of human- kind. We see babies being born, benevolent old folks, diligent factory workers, and decent farmers. Children play; animals walk in splendor; an astronaut floats in space. But there is no death or disease, no bad blood or sorrow. It's an after-school special by way of "The Family of Man." Roland Barthes lambasted such depictions as "amply moralized and sentimentalized." Homi Bhabha notes "the position of social authority" images like these assume. Susan Sontag asserts that pictures of this type "deny the determining weight of history." McQueen, who says they're about "our so-called knowledge," allows us to see all of them as a single picture—a portrayal not of who we are but of how we want to be seen. It's an American version of Leni Riefenstahl's Olympia, a sort of psychological black box that provides evidence of our attempt to manage images and deny death. This gigantic fake self-portrait clarifies why postmodernism and its ideas about pictures being biased took shape around the same time Voyager was launched. Once's soundtrack of people speaking in tongues highlights the aspirational side of these pictures, the hope that we're not alone in the universe.


In the rear gallery, the riveting 7th Nov. (2001) evokes another kind of speaking in tongues—the language of trauma and repentance. Projected for 24 minutes is the solitary image of a prone black man seen from the crown of his head. A pronounced scar runs across the top of his skull. On the soundtrack, McQueen's cousin Marcus recounts how he accidentally shot and killed his brother. It's a terrible story told with sorrow, insight, and verve. The stillness and stateliness of this black body—which contrasts with the horror of the story—recalls Mantegna's dead Christ and surrealist photos of truncated bodies. Here, the head is a black planet, an empty eye, or an abstract phallus. It is Rembrandt-esque, mysterious, and somber. The killing of a brother together with the scar suggest the mark of Cain. Rosalind Krauss has written about "images that do not decorate but rather structure the basic mechanisms of thought." That's what this image and soundtrack do. McQueen's 7th Nov. is a contemporary history painting, a modern-day Death of Marat. It is a requiem and a confession, a cautionary tale about being human and being black, and an allegory for white society's discomfort with blackness.


McQueen is a very serious artist. His work is sumptuous but laced with bittersweet mourning and the feeling that he's engaging with history both as a participant and as an outsider. His vision is grand and symphonic, and so is this show.



Trechos de uma entrevista com Steve Mcqueen (14 setembro, 2009)

Por Laura Barnett

O que o fez começar?

Poder desenhar desde pequeno. Quando eu tinha quatro ou cinco anos, um desenho que fiz da minha família foi escolhido para ser publicado num banner da livraria Shepherd's Bush em Londres. Eu me lembro de passar por ele com meu pai e minha mãe, me sentido orgulhoso.

Qual foi sua maior revelação?

Alguém me pagando muito dinheiro por um filme em 1995. Eu estava trabalhando meio-período no Marks & Spencer,e pensei ‘’Oh, agora eu posso largar o trabalho’’.

Qual canção você escolheria como a trilha sonora da sua vida?

Blue in Green do Miles Davis. É tão boa. É como o blues. É como a cara do Buster Keaton.

O mundo da arte é focado no dinheiro?

Estou cheio do mundo da arte, pra falar a verdade. Ele não vai muito além do seu próprio rabo e fica chato.

Qual o maior problema da arte hoje?

Falta de ambição, e medo.

Tem alguma verdade em dizer 1% de inspiração, 99% tranpiração?

Eu diria que é mais 50/50. O esforço necessário para trazer uma idéia para o mundo real pode ser épico.

Qual a pior coisa que alguém disse a respeito de você?

Tento não lembrar de nada ruim. A maioria dessas coisas foram ditas quando eu estava na escola, pelos professores: ‘’Mcqueen, você não vai chegar a lugar algum.’’. No geral, acho que tive muita sorte.

Tradução livre do artigo do The Guardian.



Reflexão autoral



Steve Mcqueen é um artista completo. Acho que ele poderia também estar na Pele do Invisível ou no Dito, Não dito, Interdito. O trabalho de Mcqueen vai da grande crítica política - o seu trabalho Queen and Country, por exemplo, que foi a impressão de selos com os rostos dos soldados ingleses mortos na guerra do Iraque - à reflexões totalmente subjetivas como em Once Upon a Time.

O trabalho que virá para a 29ª Bienal, Static, é uma filmagem da Estátua da Liberdade de diversos ângulos (algo recorrente em Mcqueen) e propõe uma reflexão sobre o que é a liberdade nos dias de hoje e como vivemos com ela (ou se realmente a possuímos).

Acho que é importante discutir todas essas questões no terreiro do EU SOU A RUA já que elas atingem a todas as pessoas, em todos os lugares. No caso de Mcqueen a ‘’rua’’ é uma metáfora para o mundo.



Bibliografia

http://www.artfund.org/queenandcountry/index.php site do projeto ‘’Queen and Country’’

reportagens:

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2009/sep/14/steve-mcqueen-artist-filmmaker entrevista The Guardian.

http://www.villagevoice.com/2005-02-01/art/mourning-glory/ reportagem Mourning Glory

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/jonathanjonesblog/2008/jun/26/canstevemcqueensavebritish - artigo sobre Mcqueen na Bienal de Veneza (junho, 2008)

videos:

http://www.youtube.com/watch?v=yeaTWZTqC2Q&NR=1 - extrato do filme Deadplan

http://www.youtube.com/watch?v=s2K9ZeBe-HA&feature=related - extratos de filmes do Buster Keaton

http://www.youtube.com/watch?v=Mw7WJLZmVF4 - trailer do filme Hunger

http://www.youtube.com/watch?v=79lV_EEOaiI - Mcqueen falando sobre Hunger

http://www.youtube.com/watch?v=AjQyN8refrc - Mcqueen falando sobre sua participação na Bienal de Veneza

terça-feira, 31 de agosto de 2010

David Cury


  • Brasileiro, nascido no estado do Piauí. Hoje vive no Rio de Janeiro.
  • Mestre em Artes Visuais pela Universidade Federal do Rio de Janeiro, especialista em História da Arte pela PUC-RJ e professor da Escola de Artes do Parque Laje na capital carioca.
  • Já apresentou trabalhos nos principais museus de arte moderna do Brasil e integrou coletivas em outros países como Líbano, EUA, França e Áustria.
"Há vagas de coveiro para trabalhadores sem-terra" (2009)


  • Desenvolve trabalhos de pintura, instalações e intervenções. Destacando-se em grandes formatos e em trabalhos minuciosos.
  • Nos últimos sete anos têm se focado especialmente em instalações que exploram questões importantes da arte articulando-as com outras ligadas diretamente com a vida nos dias de hoje. Sugestivos títulos de obras como “Todos os homens dormiram com suas mães. Algumas mulheres, com seus pais”, “Para a inclusão social do crime” e “As mulheres existem para que os homens se meçam” são bons exemplos que ilustram as intenções de reflexão do artista.
"Eis o tapete vermelho que estendeu o Eldorado aos Carajás" (2009)

  • Na 29ª Bienal irá expor a instalação “Antônio Conselheiro não seguiu o conselho” [2005-2009], que tem como eixo temático a Guerra de Canudos. A obra resulta em abstrações à beira do limite, do imprevisível.
  • Uma trincheira formada de contêineres, lâminas de vidro, hastes de ferro, aço, alumínio, borracha e lâmpadas frias expõe uma potencialidade bélica e sem garantias - não há fixação dos elementos, que são apoiados uns sobre os outros.
  • Esta instalação já foi exposta na mostra individual que o artista realizou no MAM do Rio de Janeiro em Outubro do ano passado, juntamente com uma intervenção de tamanho monumental, a “Eis o tapete vermelho que estendeu o Eldorado aos Carajás”, constituída de 4 milhões de etiquetas circulares vermelhas coladas sobre uma grande parede do museu. Este último trabalho denuncia a execução de dezenove trabalhadores sem-terra em 1996 pela Polícia Militar do Pará em Eldorado dos Carajás.
  
"Antônio Conselheiro não seguiu o conselho" (2005/ 2010)
vídeos interessantes:

Crítica Autoral (por Thisby Khury)

O trabalho de David Cury (em especial a instalação que ele montará na 29ª Bienal) é rica em possibilidades de significados e símbolos, que certamente enriquecerá discussões e visitas.
Retoma um histórico momento do nosso país com a visão do século 21, através de uma denúncia que expande sua proposta na difícil realidade em que vivemos. Apresentado de modo poético, impressionante e com um belo aspecto plástico, o assunto é exposto sem obviedades e com enormes lacunas abertas para encaixar os mais diversos assuntos – e terreiros - que podem vir à tona nesta exposição que estimula o questionamento e reflexão sobre o hoje e sobre o que nos rodeia.

NS Harsha

Nascido em 1969 em Mysore.

NS Harsha é um artista cujo trabalho revela um comentário político, num quadro de pintura em miniatura indiana, a tradição narrativa moderna indiana e arte popular. Os números em seu mundo, delicado, astuto e brincalhão são quase sempre focada em um evento, animado por uma curiosidade mútua, apontando algo que é estranho, incongruente ou comicamente estranho. Obra de Harsha inclui pintura, instalações de grande porte e projetos comunitários.

NS Harsha vida e trabalha em Mysore, Karnataka.




                                             Harsha sentado em frente sua obra "Come give us a speech"

Vem dar-nos um discurso

Na pintura recente NS Harsha "vem dar-nos um discurso" (2007/08), centenas de figuras estão sentados em cadeiras plásticas coloridas do tipo utilizado em Portugal em funções, como casamentos e encontros religiosos ou políticos, e como o título sugere, eles estão todos esperando por uma oração para começar. Em um exame quadrinhos na premissa de que o espectador completa a obra, alto-falante em questão é o telespectador individual, que vai ficar na frente do trabalho, e cujos pensamentos forneceram o conteúdo do discurso. A massa de figuras neste quadro representam um grupo heterogéneo, poderia ser dito para substituir todos os que o artista tem sempre encontrado, quer na vida real ou por meio de televisão ou jornal, ou nos trabalhos de outros artistas. Toda a vida humana está aqui, sentado lado a lado, um dos tipos das Nações Unidas, por vezes, em conjunções estranhas e, às vezes dispostas de acordo com o gênero. Pessoas de todas as raças e culturas diferentes estão presentes, bem como misturas estranhas, a incompatibilidade de funções, o cabelo e a cor da pele e categorias étnicas. Há pessoas de todas as idades, o corpo capaz, e as pessoas com deficiência. Em uma cadeira há uma mulher que está dando à luz de um filho, em outro um cadáver é colocado para fora, enquanto ao seu redor linhas inteiras de pessoas que respondem a este milagre ou a uma tragédia que ocorreu em seu meio. Há pessoas de todas as esferas da vida - empresários, fazendeiros, políticos, os astronautas, os tipos de teatro, freiras e um preso em cadeias. Num canto, há uma colônia de artistas, incluindo figuras conhecidas do mundo da arte indiana, bem como outros de fora da Índia, como Marina Abramovic e Marcel Duchamp. Há citações e empréstimos de outros artistas - uma figura cubista parece estar bêbado, enquanto o Papa Maurizio Cattelan inclina lateralmente em um ângulo.

Como grande parte do trabalho Harsha esta pintura tem charme, e há muitas diversões para identificar os diferentes elementos e após jogar o próprio artista de fantasia e invenção, e ainda a reflexão quanto mais você olhar (de perto ou removido) o mais desorientado fica tanto em termos conceituais, assim como condições ópticas. Como é que todas essas pessoas podem co hábitar na massa e em tão perto? O que se torna vital dos tópicos que as coisas se unem para nós e nos dê o nosso lugar no mundo? O que torna-se de coisas como a identidade nacional, orientação política, crença religiosa ou filiação cultural, o gosto, classe e assim por diante - em face de tais multidões?


Grant Watson






Bibliografia:

http://www.artinfo.com.br/

Texto enviado pelo site de NS Harsha de Grant Watson

segunda-feira, 30 de agosto de 2010

Pedro Costa


* (Lisboa, 1959)


Um filme hipnótico com poética enraizada na dura realidade social. Juventude em Marcha é um seguimento do filme Ossos ambientado entre os moradores carentes do bairro de Fontainhas. Em Juventude em Marcha segue Ventura, um velho ex-operário que está se movendo para um novo bairro. Em um drama composto por cenas aparentemente desconectadas, Ventura atende moradores diversos de Lisboa, preto e branco, a quem ele chama de seus filhos - entre eles, Vanda, uma mãe e um viciado em heroína antigo (e protagonista do filme anterior de Costa, No quarto de Vanda).  

Juventude em Marcha é uma escavação impressionante, muitas vezes transfixantes do território emocionalmente escuro. É uma visão singular

No quarto de Vanda, Pedro Costa, Portugal, 2000, 35mm, 78 min., cor
No quarto da Vanda (2000)

O filme é um recorte da biografia de Vanda, uma usuária de drogas do bairro de Fontainhas em Lisboa. Costa rodou o filme com uma câmera digital muito pequena, permitindo ocupar um espaço do íntimo, face a face, deixando por vezes em dúvida se Vanda estava mesmo ciente da presença da câmera. Inicialmente, a intenção era de permanecer com as filmagens nos limites do quarto de Vanda, mas Costa decidiu expandir seu trabalho em busca do "outro modo de vida" com os habitantes de Fontainhas. Desse modo, ele tenta criar um aparente equilíbrio do que está na frente e por trás da câmera.


Juventude em marcha, Pedro Costa, Portugal, 2006, 35mm, 155 min., cor 

Juventude em Marcha (2006)

Maria Thereza Alves

M.T. Alves nasceu no Brasil em 1961 (o pai dela veio da cidade de Butiá, no estado do Paraná, no Sul do país), mas viveu na América do Norte desde a infância, recebendo sua educação e, eventualmente, os estudos na Cooper Union School of Arts, em Nova York. Na década de 1970, conheceu Jimmie Durham (um ameríndio Cherokee), com quem se casou e vive até hoje. Depois dos conflitos de Wounded Knee, em que policiais cercaram a reserva de Pine Ridge, na Dakota do Sul, Durham virou representante dos índios na ONU. Foi quando Alves ofereceu sua ajuda. "Pensei que ela fosse uma espiã, então disse que não queríamos nada", lembra Durham. "Mas acabei indo atrás dela na rua e estamos juntos desde então.” Na época, Alves fazia lobby nos Estados Unidos contra o tratamento que o governo brasileiro dava aos índios. De volta ao país, ela trocou o PT (Partido dos Trabalhadores) para ser uma das fundadoras do Partido Verde (PV) e esteve nos debates em torno da Constituição de 1988.

Maria Thereza Alves deixou as Américas pela Europa há mais de 15 anos, porque, diz Alves: “Eu senti que em todo o continente americano não havia como participar, devido às estruturas coloniais e as sociedades hipercoloniais. Não há espaço possível nem para um debate sobre colonialismo, principalmente no Brasil, onde nasci. E na maioria dos países latino-americanos, com poucas exceções, se você não é um membro da elite governante, é provável que esteja onde estiver, você não tem chance de participar da política cultural.” Nômade e cidadã do mundo, Alves transpõe suas raízes na busca por uma nova identidade, o que se reflete em seus trabalhos recentes pela disponibilidade de atenção especial extrema ao contexto em que atuam como artistas.

Se tentarmos explicar o método de trabalho de Alves, é uma mistura de situações em que uma realidade é substituída por outra: outros costumes, outros usos, outros eventos que foram cobertos. Então, ela volta, mais adiante, para entender o que foi levado junto, aproxima-se mais dos fenômenos do comportamento de deslocamento, mas também de viagens geológicas e botânicas, por exemplo. Fala-se muito dos caminhos percorridos ou não compartilhados pelos outros, como as tantas experiências que constituem uma identidade. Assim, sua prática artística prende diversas formas que, a cada vez, documentam o real utilizando mais as ferramentas da arqueologia do que da antropologia.

Um dos primeiros trabalhos da artista foi uma série fotográfica em P&B, a convite de seu tio. Passando-se por uma fotógrafa do New York Times, ela registrou trabalhadores e moradores de uma área rural neglicenciada no sul do Brasil, como prova de suas existências, caso fossem escravizados – uma prática ainda comum nessas regiões do país. A série ficou conhecida como Brazilian Recipes (Receitas Brasileiras).



Brazilian Recipes. Série de fotos preto e branco

Em seguida, suas fotografias ganharam as cores do tradicional histórico cultural da América Latina, no fim da década de 1980.


John Spencer, 1988. Fotografia colorida montada em alumínio


Mercedes Gomez, 1988. Fotografia colorida montada em alumínio.

Suas primeiras instalações de destaque acontecem na Galeria Mercer Union, no Canadá, em 1994.
Nowhere é a terceira de uma série de instalações de Maria Thereza Alves, e todas tiveram nomes sucintos que eram eles mesmos sobre nomenclatura. No Soy Su Madre (Eu não sou sua mãe) foi a primeira e fez alusão ao tipo de epítetos que o homem tem tradicionalmente usado em referência à natureza, como a "mãe natureza", "mata virgem" e assim por diante, em que ele projetou sua atitude em relação ao sexo feminino. A segunda, Pós-Eldorado da Amazônia, sugeriu que, embora possa ser fácil para nós ver uma fantasia espanhola do século XV de um remoto e detectável "lugar de ouro", como uma obsessão estreita e lamentável, o espírito que deu origem para ele ainda está conosco, ainda dirigindo nossas ações e pensamentos.

'Nowhere' é uma tradução da palavra grega Utopia, que Thomas More usou para o título de seu famoso livro de 1516. Assim, ele usou uma palavra que denotava uma terra ou lugar, mas que realmente significa nenhum lugar; ou, ainda, ele usou uma palavra que aparentemente significa nenhum lugar, mas na verdade, postulou a possibilidade de um lugar real. Esta não é uma distinção arcana como parece, porque, se aparentemente nada torna-se eventualmente algum lugar, nunca se vê o lugar ou as pessoas como elas são, mas como a tabula rasa para a projeção da fantasia utópica. É a esse descompasso entre o lugar real e a construção mental, e suas terríveis conseqüências, que as instalações de Alves se dirigem.

(...)

Em resposta a uma pergunta sobre como encarava a relação entre o seu trabalho político e artístico, Maria Thereza Alves respondeu que a política emprega estratégias para realizar tarefas específicas, mas a arte é sobre o "questionamento". Isso me parece a única maneira de desvendar uma noção como utopia, por seu significado ser tão ligado à nossas diferentes histórias e à complexidade dos confrontos e intercâmbios culturais mútuos que compõem nossa identidade hoje.

Este esclarecimento teria que separar aqueles aspectos que são universais, daqueles que são locais. Mesmo os aspectos universais da utopia estão divididos entre os pólos da estupidez humana e desejo humano. As loucuras surgem simplesmente do fato de que estamos todos ligados a cultura. O escritor indiano Sudhir Kakar apontou, por exemplo, como o estranho fascínio ocidental atual com o xamanismo deve aparecer a "alguém pertencente a uma cultura onde o xamã faz parte da vida cotidiana, e xamanismo é tão exótico como odontologia". (Quem, aqui, seria transformado pela noção de artista-dentista?) E Kakar chega a sugerir que a forma como o fascínio atual substituiu o seu oposto, a difamação anterior etnográfica do Shaman, é um sintoma da "busca ocidental por utopias". De outra perspectiva, o escritor chinês Lu Xun criticou a ingenuidade de seus conterrâneos educados que foram enviados pelo Imperador à Europa no final do século 19 para aprender com as maneiras ocidentais: "Leia as anotações deles, de hoje! O que impressionou a maioria deles foi uma figura de cera em algum museu, que jogava xadrez com um homem vivo.”

O anseio do ser humano é, obviamente, muito mais antigo do que o gênero de utopias pós-renascentistas. O desejo de abundância e fartura nas tradições artísticas e místicas dos povos agrícolas, o desejo de igualdade, e de vencer as diferenças e distâncias, nas tradições de reversões de carnaval, o desejo que é, na verdade, expresso no nome "Brasil" que, segundo uma teoria, deriva da palavra celta para "o lugar de admiração' - supostamente para ser localizado em algumas ilhas ao sul da Irlanda, onde se você fosse afortunado, os deuses deixariam vê-las: tudo isso deveria ser separado do conceito de utopia. Maria Thereza Alves considera a noção ocidental de utopia como decorrente da idéia renascentista de individualismo e, essencialmente, como interpretar o desejo de "ser livre" em termos de um plano. Utopia propõe um futuro planejado e controle explícito sobre o potencial humano, geralmente a idéia de uma pessoa do que esse potencial pode ser. Ela escreve: "Utopias, talvez, não podem servir como modelos, uma vez que são muito elaboradas especificamente. Elas não são abertas o suficiente para permitir as potencialidades possíveis que os seres humanos necessitam de um modelo."

Neste diálogo necessário, e complexo questionamento da nossa história, se um brasileiro tem para combater esses aspectos do pensamento utópico ocidental que eram inseparáveis da invasão, colonização e escravidão; uma pessoa inglesa, por exemplo, tem que ver que a nossa atitude imperial não era inata, mas também uma construção, e que mesmo alguns dos nossos símbolos proeminentes da identidade cultural nacional contra ele, na raiz, em termos que ainda carregam uma força hoje. Em 1759, Samuel Johnson publicou um discurso imaginário de um líder indígena americano sobre a vinda dos europeus:

Esses invasores se estenderam pelo continente, abatendo com sua ira os que resistiram, e aqueles que se submeteram a suas brincadeiras. Dos que ficaram, alguns foram enterrados em cavernas, e condenados a cavar metais para seus mestres; alguns foram utilizados em cultivo da terra, do qual tiranos estrangeiros devoram o produto; e quando a espada e as minas destruíram os nativos, fornecem seus lugares a seres humanos de outra cor, trazidos de algum país distante para morrer aqui no trabalho e na tortura.”

BRETT, Guy & MACIEL, Kátia (org.). Brasil Experimental – Arte/vida: proposições e paradoxos. Editora Contra Capa, Rio de Janeiro, 2005.

 
Vista da instalação "Nowhere", 1994. Foto: Peter MacCallum.


Detalhe da instalação "Nowhere". Cortesia da Galeria Michel Rein

Em 2000, contemplada com uma bolsa do DAAD (Deutscher Akademischer Austauschdients / Serviço Alemão de Intercâmbio Acadêmico), Alves realizou Wake (2001). Amostras de solo foram extraídas de sítios de construções na cidade de Berlim e foram ‘plantados’. A pesquisa é conduzida pela história do sítio local. Esta é a pesquisa em Charlottenstraße 33, um dos 22 sítios de amostras.

Em Wake, amostras profundas da terra são coletadas de vários sítios de construções em Berlim. As amostras são plantadas e as sementes dormentes tem uma chance de germinar. “Ainda que as sementes pareçam mortas, na verdade estão vivas e podem permanecer assim no solo por décadas, até mesmo centenas de anos em dormência”, escreve a botânica Heli Jutila. As amostras foram plantadas e expostas em um espaço de galeria, à espera das sementes que ali germinassem (abaixo).


 

Um projeto semelhante se desdobrou em 2005, chamado de Seeds of Change (Sementes da Mudança). ‘Seeds of change’ é uma investigação fundamentada em uma pesquisa original para revelar os sítios e a flora de lastros históricos em portos europeus.
Por centenas de anos, pedras, terra, areia, madeira e tijolos foram utilizados como lastro para estabilizar veleiros mercantes de acordo com o peso da carga. Após a chegada no porto, o lastro e as sementes, que acidentalmente vieram no passeio, foram descarregados. As sementes podem ser de qualquer um dos portos e regiões ao redor do Mediterrâneo (e de seus parceiros comerciais regionais) envolvidos no comércio europeu. As sementes contidas na terra do lastro podem germinar e crescer, contribuindo para o desenvolvimento da paisagem européia e aterrando testemunhas para uma narrativa mais complexa da história do mundo do que a apresentada pelas contas ortodoxas, o que Alves chama de “história sem fronteiras”. Apesar de terem o potencial de alterar nossas noções de identidade do lugar como pertencentes a uma bio-região definida, a importância histórica dessas sementes é raramente reconhecida.
Cidades portuárias em ‘Seeds of change’: Marselha, Reposaari, Exeter, Liverpool, Dunkirk, Bristol e Rotterdam.
A exposição apresenta fotografias, desenhos, mapas, entrevistas, vídeos. O evento é parte de uma plataforma internacional do Safári por Cidades Portuárias, iniciada com a colaboração de Arnolfini (Bristol) com uma exposição, uma rede internacional, uma passeio geográfico, uma série de publicações e painéis envolvendo artistas, arquitetos, teóricos.
O projeto destaca diversos planos e trajetórias dedicados ao comércio, à mobilidade e à produtividade. Uma publicação de 250 páginas documenta o trabalho dos artistas, ensaios de teóricos, imagens e mapas, concluindo em Rotterdam a longa e articulada jornada do Safári por Cidades Portuárias. O projeto é atribuído aos subsídios à cultura em 2007 pela União Européia e é um dos eventos paralelos a Bienal Internacional de Arquitetura de Rotterdam.

Uma descrição mais detalhada do assunto, retirada da Frieze Magazine:

“Os cargueiros modernos de hoje utilizam água como lastro para estabilizar navios descarregados, mas em outros tempos de comércio marítimo, os navios utilizavam terra, pedras ou areia como lastro, se suas cargas de especiarias coloniais fossem muito leves – material que poderia ser facilmente descartado para liberar espaço no navio e colocar rentáveis escravos. Conseqüentemente, há milhares de anos, toneladas desse material de enchimento, suas sementes e o material orgânico do Novo Mundo foram despejados em terra no momento da chegada às cidades portuárias mais importantes da Europa. Para seu projeto “Seeds of Change” em Marselha, Liverpool, Exeter, Bristol, Dunkirk e outros sítios – sempre onde ainda não houveram estudos sobre a flora de lastro – Alves procurou a localização de sítios de lastro através de mapas antigos, registros de portos e palpites, pegando amostras de terra na tentativa de germinar qualquer semente arcaica que estivesse dormente no substrato. As apresentações resultantes reuniram os elementos textuais e fotográficos – bem como as próprias plantas – e, muitas vezes, envolveu a colaboração de moradores locais.”


Seeds of Change: Marseille, cortesia da Galeria Michel Rein


Seeds of Change: Dunkerque, 2005. Fotografia digital 70x10 cm


Seeds of Change: Dunkerque, 2005. Fotografia digital 70x100 cm

No mesmo ano, o vídeo What is the Color of a German Rose? relembra uma lista de frutos, flores e legumes que têm suas origens fora da Europa e de como esse intercâmbio induz a perda da identidade de determinadas espécies e o impacto desse fluxo constante no equilíbrio ecológico do planeta. A larga disposição desses produtos conclui a apresentação de um grande cesto do aumento de consumo, as principais características dessa raça da abundância, que sabe sua contraparte nos países que sofrem com a escassez de alimentos.


What is the Color of a German Rose?, 2005. Vídeo, 6'14

Para a Manifesta 7, que aconteceu em 2008 em Trento (Itália), a artista se juntou com seu marido e mais um colega para um projeto. Como regra, museus procuram exibir o extraordinário, mas o Museum of European Normality quer mostrar a vida cotidiana nas superfícies (densas) do personagem europeu. O projeto – um esforço colaborativo entre Maria Thereza Alves, Jimmie Durham e Michael Taussig – concentra-se no “período pós-colonial” desde a Segunda Guerra Mundial.

Taussig apresenta os mistérios da mimese e da alteridade, e com Friedrich Nietzche, a relação entre profundidade e superfície. Porém, esse museu não procura pela essência ou a profundidade de estar na Europa – procura os hábitos e os tiques. Alves pesquisa o hábito europeu de se olhar dentro dos olhos durante uma conversa e a necessidade de reafirmação dos homens europeus em rituais públicos, tocando o que algumas culturas consideram íntimo e pessoal, no vídeo Male Display among European Population. Ela também permite que o público participe ativamente de um programa de intercâmbio para redefinir políticas culturais nacionais. Durham reúne suas provas do comércio, crenças populares e o constante reforço da publicidade. Maria Thereza Alves é uma artista brasileira, cujo trabalho se concentra em torno das epistemologias sociais.


Male Display among European Population, 2008. Vídeo, 2'

E se invertêssemos o pensamento clássico ocidental de visitarmos nativos amistosos de qualquer lugar? Em seu docudrama Iracema (de Questembert), 2009, especialmente feito para a Bienal de Lyon, Maria Thereza Alves reconta a ambígua história de Iracema, uma jovem mulher do isolado vilarejo brasileiro de Corubime. Iracema faz uma longa viagem de São Paulo à França, onde descobre que acabou de herdar a propriedade de seu pai. Agora, ela é dona de uma vasta propriedade, cujas autoridades locais gostaria de compra-la antes de ver nas mãos de uma “selvagem”. Destemida, Iracema luta para manter a propriedade, onde funda o Questembert Institute for Art and Science. Ela discursa no Fórum Social Mundial, em Porto Alegre, disposta a conhecer artistas e pensadores. Com esse vídeo, Alves iniciou sua pesquisa com os nativos Krenak.




Iracema (de Questembert), 2009. Vídeo, 26'03

Sobre a Importância das Palavras, Uma Montanha Sagrada (roubada) e a Ética das Nações” (2009-2010), Maria Thereza Alves dedica sua produção artística a formas alternativas de conhecimento que, combinando arte e ciência, são capazes de promover engajamentos e mudanças reais em contextos sociais minoritários. Na 29a Bienal de São Paulo, a artista apresenta uma etapa importante de sua luta em favor da manutenção da língua e da cultura dos Krenak, povo indígena brasileiro hoje reduzido a uma comunidade de 600 pessoas, divididas entre Minas Gerais, Mato Grosso e São Paulo. Maria Thereza acaba de concluir a tradução para o português de um dicionário Krenak-Alemão feito no século XIX, pelo expedicionário Bruno Rudolph, e hoje mantido como meio mais rico de acesso ao vocabulário e às tradições desta comunidade indígena ora populosa e disseminada no território brasileiro.

O dicionário Krenak-português assume camadas geracionais de tradução entre colonizados e colonizadores e reestabelece um elo mais próximo entre a herança histórica deste povo indígena e seus poucos representantes na contemporaneidade. Com tiragem de 1.000 exemplares, o dicionário ficará disponível para consulta na Bienal, num ambiente de pesquisa e rememoração, que também conta com dois videos, uma foto da montanha sagrada dos Sete Salões (MG) e uma petição pública. Depois da mostra os exemplares do dicionário serão distribuídos para uso dos Krenak.

Clique aqui para ver uma descrição sobre o lançamento desse dicionário em Portugal (Facebook).


Montanha Sagrada Sete Salões. Fotografia


Vista da exposição "Sobre a Importância das Palavras, uma Montanha Sagrada (roubada) e a Ética das Nações", 2009-10. Prateleira para 1.000 exemplares do dicionário e, ao fundo, reprodução do vídeo "Iracema (de Questembert)", 2009.


Trabalhos: http://www.michelrein.com/Artist.php?Artist=Maria%20Thereza%20Alves
Indios krenak (referência de um trabalho): http://pt.wikipedia.org/wiki/Crenaques
Pdf de imagens de videos e trabalhos: http://www.michelrein.com/imagesFM/Down48.pdf