terça-feira, 21 de setembro de 2010

UNStudio, Youturn

UNStudio

Desde o início, o nome do escritório de Ben van Berkel do projeto diz que esta não é uma empresa típica arquitetura: UNStudio. O nome não evoca imagens de um grupo de arquitetos laborioso, mas de uma associação global, um grupo diversificado de indivíduos informados pelas igualmente diversas idéias que são giradas por meio do intercâmbio e da cooperação em equilíbrio harmonioso. E que, de fato, é o que é UNStudio - uma reflexão prospectiva rede de especialistas em arquitetura, desenvolvimento urbano, infra-estrutura, engenharia, filosofia, moda, arte, mídia e publicações, cujo intenso, animado e, muitas vezes ousadas colaborações produzir construído trabalho extraordinário originalidade da beleza e impacto.
A natureza interdisciplinar da negrito UNStudio tem atraído a atenção internacional. "Poucos arquitetos hoje o requinte de Ben van Berkel, proclamado" Nicolai Ouroussoff no New York Times, no verão de 2007. "Trabalhar com sua parceira, Caroline Bos, aos 50 anos de idade, natural Amsterdam se tornou uma de um punhado de designers cuja abordagem, impulsionada por uma fascinação com as novas tecnologias era do computador, tem um toque de profético. De todos eles, até agora mais se aproximam de cumprir o sonho de um mundo verdadeiramente elástico, no qual as fronteiras entre trabalho e diversão, vida privada e pública, se derreteu."
Quando van Berkel começou a praticar em Amsterdã em 1988 com Bos (sua esposa, que é historiadora de arte e jornalista), a sua empresa se chamava simplesmente van Berkel Bos. Mas dentro de uma década, os parceiros reconheceram que a prática arquitetônica tradicional e os processos criativos já não estavam em sintonia com as comissões cada vez mais complexas que eles estavam recebendo, para não falar das novas tecnologias e técnicas de construção que foram alterando a forma como os arquitetos projetam e constroem.
Como Bos salienta, "Arquitetura tinha mudado de um processo de colaboração em um introvertido, complexo multipartidário." O que ela e van Berkel imaginaram foi uma aliança, pouco ortodoxo colaboração de pensadores de dentro e até fora do domínio da arquitetura e engenharia, incluindo uma rede de indivíduos talentosos que traria um conjunto diferente de habilidades e valores, bem como multidisciplinar input criativo, em projetos da empresa. Assim, em 1999, van Berkel Bos mudou de marcha, expandiu os seus procedimentos, e se tornou United Network Estúdio: UNStudio.
É um nome incomum para uma empresa de arquitetura, mas capta o espírito de um modelo de negócios incomum para a profissão: Há diretores de projeto (incluindo Bos, cujos títulos incluem "crítico interno" e "analista") e parceiros, arquitetos e designers, especialistas financeiros e teóricos. Os artesãos trabalham em colaboração com Harvard e Columbia arquitetos formados, e os consultores técnicos da Alemanha e da Inglaterra. Criativas mentes de várias partes do mundo - filósofos, artistas, designers de moda, os meteorologistas tendência - são convidados a participar equipes de projeto multidisciplinar, no estúdio do arquiteto em Amsterdam, canal de idéias que influenciam profundamente a concepção de novas abordagens. O pessoal desses grupos muda a cada projeto, de modo que o pensamento é sempre fresco e específico para as tarefas à mão.
Esse método é o combustível UNStudio: inovador, dinâmico, criticamente aclamado por projetos para casas privadas, complexos residenciais, edifícios comerciais e museus em toda a Europa, bem como os planos diretores urbanos para reconstruções em Espanha, Holanda e Itália. UNStudio criou pontes escultural em Dresden, Amsterdam e Génova, de 18 andares emblemática Tóquio para Louis Vuitton, um spa e um hotel nos Alpes suíços, e mesmo esses avanços design industrial como utensílios de cozinha revolucionária para a B & B Italia espelhados e conjuntos de chá de Alessi. A produção da empresa é realmente a encarnação do que, de meados do século, o arquiteto italiano Ernesto Rogers chamada concepção "da colher à cidade", ligando os mundos público e privado.
UNStudio trabalha com pulsos de energia. Pegue um dos seus mais influentes projetos de construção: a Casa Möbius fora de Amesterdão (1998), que caracterizou o marco de 1999 mostra "Un-Private House" no Museu de Arte Moderna de Nova York. Com base na fita de Möbius, uma forma geométrica infinita looping, esta casa de vidro e concreto angular incha e para baixo como uma formação de dunas de arquitetura, como bloqueio corredores levam a sobreposição salas designadas para o dia versus atividades noturnas.
Um dos mais recentes projetos de construção, o Museu Mercedes-Benz em Stuttgart, Alemanha (2006) capta o movimento da mesma forma em concreto, aço e vidro. Como em Nova Frank Lloyd Wright Guggenheim York, os visitantes do vento seu caminho rampas de cerco não um, mas dois átrios circular, apesar de na Mercedes-Benz Museum os carros em exposição cerca de zoom rampas.

Van Berkel empresa certamente não se amarrou a um único tipo de edifício ou de uma marca de estilo visual. Seu surpreendente, dobrado, laranja opaco Teatro Ágora, em Lelystad, Holanda (2007) é envolvido em uma pele sobreposição facetada que produz um efeito moiré caleidoscópica destina-se a traduzir o dinamismo das artes teatrais e novas mídias. Villa NM, o primeiro projeto UNStudio concluído nos Estados Unidos, é uma casa de campo compacta e coerente de materiais não convencionais, mas adequados, que permitem um jogo manhoso de privacidade e de permeabilidade.


Bem van Berkel (fundador)



Ben van Berkel estudou arquitetura na Academia de Rietveld em Amsterdã e na Architectural Association em Londres, recebendo o Diploma de Honra AA, em 1987. Seus primeiros projetos foram construídos quase que imediatamente após a fundação Van Berkel e Bos Architectuur Mesa. Entre os edifícios desta primeira fase, são Karbouw, a estação de electricidade Remu e Villa Wilbrink. Ser eleito para o desenho da ponte Erasmus, em Roterdão (1996), afetou profundamente a sua compreensão do papel do arquiteto e hoje constitui o fundamento da sua abordagem colaborativa à prática, levando à fundação da UNStudio em 1999.
No período intercalar azul resultou na realização de projetos como A Casa de Moebius, Het Valkhof Museum (1998), e do Príncipe Claus Bridge (2003). Os projetos recentes, que mostram o seu interesse de longa data na integração da construção e arquitetura, são: o Museu Mercedes-Benz em Stuttgart e Central Arnhem. Ele foi professor visitante na Universidade de Princeton e tinha ensinado na Universidade de Columbia, o Instituto Berlage e UCLA. Atualmente é Professor de Concepção e chefe do departamento de arquitetura na Staedelschule em Frankfurt am Main (Alemanha). Ben van Berkel, co-autor de um número significativo de dissertações e monografias.


Caroline Bos (co-fundadora)


Caroline Bos estudou História da Arte no Birkbeck College da Universidade de Londres. Após co-fundador Van Berkel e Bos Architectuur Bureau, em 1988, parou de trabalhar como jornalista para se concentrar em ser o crítico interno para a prática, escrevendo de tudo, desde os contratos de trabalho para os ensaios e as descrições dos projetos que ainda estavam a ser projetado. Em 1999, Ben van Berkel e Caroline Bos fundada UNStudio; uma rede de especialistas em arquitetura, desenvolvimento urbano e infra-estrutura. Como analista, ela esteve envolvida em todos os projetos UNStudio. Suas observações e síntese sobre as diferentes questões programáticas tornou-se parte integrante do trabalho das equipas de projecto diferentes.Com Ben van Berkel era editor do Fórum (1985-1986) e da publicação, qualquer "Diagrama Works" (1998). Ela estava visitando professor na Universidade de Princeton e tem ensinado no Instituto Berlage e UCLA. Seu interesse no conceito de o arquiteto se reflete nos livros que tem co-escrito por Ben van Berkel: "Ben van Berkel Arquitecto" (1992), "delinqüente Visionários" (1990), 'Mobile Forces "(1994),' Move '(1999), Unfold (2003), "Modelos de Design" (2006).Caroline terminou recentemente um mestrado em planejamento urbano e regional, da Faculdade de Geociências da Universidade de Utrecht.





Bienal de arquitetura de Veneza 2008 (UNStudio – Chicago Rooms)


A instalação explora o potencial de transformação do mundo material. Assim como os designers de moda, os arquitetos oferecem alternativas de looks e identidades, ‘cascas’ apropriadas à época e ao poder aquisitivo. Essas construções consistem de um pacote misto de valores endógenos e exógenos: coisas e idéias que são inerentes à arquitetura e suas tradições e coisas e idéias que não são, mas que, ainda assim, influenciam profundamente a arquitetura. Como lidar com isso? Pode a arquitetura ainda ter essa autonomia? De acordo com UNStudio a lição é: ‘ligar, desligar’ para encontrar a autonomia em momentos de libertação. Dentro da estrutura, o visitante encontra um mundo caleidoscópio de pessoas fazendo poses, convidando ao voyerismo e buscando a transformação em sua própria conceituação.”
Entre estes dois edifícios é muito diferente uma vaga de trabalho que surpreende na sua variedade. Isso porque UNStudio acha sobre mais de fazer formas dinâmicas, imagina o coletivo de todos os muitos segredos de um site, as exigências do programa do cliente, desafios tecnológicos, e as forças culturais de trabalho para chegar à solução correta de cada vez - verdadeiramente a pensar fora da caixa. Na Câmara Möbius, que a solução veio da diagramação de actividades diurnas e nocturnas que rende looping da casa, formas de bloqueio; Cinco Franklin Place, leitura van Berkel histórico de Tribeca cornijas Italianate ferro fundido conduzir a formas de fachada radical que torcer como fitas envolver o edifício com terraços uma marca nova interpretação da decoração como uma ferramenta funcional.
Além de abordar os desafios da construção do mundo real, os arquitetos da UNStudio pesquisam constantemente, escrevem e ensinam em escolas do mundo do design de topo, como forma de enriquecer as suas próprias idéias do projeto e desenvolver sua prática.
Entre os vários livros publicados sobre o trabalho da empresa são os títulos que van Berkel e Bos ter co-escrito: Mobile Forces (1994), uma monografia híbrido e compêndio de escritos teóricos; Visionaries Delinqüente (1990), uma coletânea de ensaios, e os três coleta de volume Move (1999), que mistura imagens do trabalho da empresa com reflexões sobre o que vêem como o papel do arquiteto na sociedade contemporânea, reconhecendo que as alterações sociais, econômicas e tecnológicas em todo o mundo. Design Models: Arquitetura Urbanismo Infra-estrutura é um catálogo de raisonnée UNStudio trabalho, incluindo a documentação de cada projeto a partir do primeiro conceito esboços através da realidade construída, publicado em 2006.
Van Berkel atualmente leciona na Staedelschule em Frankfurt, tendo ocupado visitando lugares em Princeton, Columbia e UCLA; Bos ensinou na UCLA e Princeton.
Embora intelectualmente rigoroso, o objetivo dos arquitetos final não é para impressionar com conceitos elevados. Os espaços de design para que as pessoas ocupam e se abraçam. Como van Berkel tem escrito: "O objetivo de nossa arquitetura é inspirar pensamentos e imagens e, assim, torná-lo atraente para as pessoas ficarem mais tempo e voltar aos lugares que nós fazemos para eles."


Reflexão autoral


Esse terreiro é totalmente impregnado da essência do Eu sou a rua, como local de passagem ou permanência, chegada e saída, é público, democrático, assim como na rua, o tempo pode ser imposto e ofertado aqui, é hora de parar, entrar em outra dimensão, um dentro-fora de uma exposição, pode-se viajar nas curvas da estrutura elástica, quase inexistentes na arquitetura brasileira, ou manter a atenção focada nas conversas e debates que acontecerão. É o indivíduo que se apropria do espaço, é o espaço que se apropria da bienal. Se platéia ou centro de atenção, oprimido ou liberto. A própria equipe da UNStudio é rua, para diferentes trabalhos, diversas equipes com várias áreas trabalhando em união. O projeto que virá para a bienal é composto de uma arena de debates, cercados das entradas e arquibancadas, é previsto que caibam quarenta pessoas dentro da estrutura, pode-se relacionar com as antigas ágoras da polis grega, onde aconteciam os discursos hermenêuticos e as discussões.




Referências:


http://www.unstudio.com/





http://www.eikongraphia.com/?p=1355

domingo, 19 de setembro de 2010

Programação do terreiro nos primeiros 15 dias da 29ª Bienal


Fonte: http://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/799722-veja-a-programacao-completa-dos-terreiros-da-bienal.shtml

Foi definido na quarta-feira (15) o programa dos eventos dos 15 primeiros dias da mostra que irá se desenvolver basicamente em três terreiros, espaços de convivência organizados pela curiadoria da Bienal.

São eles: "A Pele do Invisível", dedicado à exibição de filmes, "O Outro, O Mesmo", para performances, e "Eu Sou a Rua", para práticas discursivas.

Veja abaixo a programação completa [do terreiro Eu Sou A Rua]:

SÁBADO (25)
14h - Antonio Macotela - O Jovem artista mexicano conversa com o público sobre seu projeto para a 29ª Bienal.

16h - Joseph Kosuth - Joseph Kosuth, pioneiro da arte conceitual, reflete sobre seu texto "Art After Philosphy" e apresenta suas obras recentes.


DOMINGO (26)
13h - Cartoons Políticos - Humor e Política - Jean Plantu e Chico Caruso - a Bienal promove um debate sobre o potencial crítico do cartoon e de outras formas de sátira política, e sobre as tentativas recentes de controle e censura do humor político no Brasil e no mundo.

17h30 - Pedro Barateiro - Apresentação de leitura performática do artista português Pedro Barateiro, desenvolvida para a Bienal de São Paulo.


SEGUNDA-FEIRA (27)
17h - Nora Hochbaum, Florencia Battiti, (Parque de la Memoria) Marcio Sellingman (UNICAMP), Cecília Maria Bouças (Tortura Nunca Mais). – O debate discute as estratégias para transformar em fala coletiva a memória da ditadura na América Latina.


TERÇA-FEIRA (28)
17h - Jonathas de Andrade e Gabriela Salgado - O debate tem como ponto de partida a obra criada por Jônathas para a Bienal, desenvolvida através da discussão sobre os cartazes associando imagens e palavras usados por Freire.


SÁBADO (02)
16h - Marilena Chauí - A Filósofa e professora inicia uma série semanal de conversas com o público sobre assuntos e obras da 29a Bienal de São Paulo. As conversas acontecem em 2, 9, 16 e 23 de outubro, sempre às 16hs.


SEGUNDA-FEIRA (04)
17h - Buala - Marta Lança e Marta Mestre - Marta Lança e Mestre irão apresentar o site Buala, que propõe uma discussão sobre a arte africana contemporânea, afirmando a necessidade de fortalecimento do intercâmbio entre países da esfera lusofônica.


QUINTA-FEIRA (07)
18h - Marcius Galan + José Augusto Ribeiro - Marcius Galan conversa com o público sobre seu projeto para a 29a Bienal, "Ponto em escala real", em companhia de José Augusto Ribeiro.

20h - Henrique Oliveira + Ricardo Rezende - Henrique Oliveira conversa sobre seu projeto para a 29a Bienal, "Origem do Terceiro Mundo", em companhia de Ricardo Resende.

quarta-feira, 15 de setembro de 2010

O terreiro Eu Sou a Rua

In: http://www.29bienal.org.br/FBSP/pt/29Bienal/Canal29/Paginas/Noticia.aspx?not=46

ENTREVISTA EU SOU A RUA – O LUGAR DA CIDADE NA EXPOSIÇÃO

​Partindo da ideia de que o terreiro é o espaço de debates e falas, o lado discursivo da Bienal, o UNStudio concebeu um projeto arquitetônico que atende a dinâmica de uma exposição de arte que acontece cotidianamente. Assim como em sua produção que acontece pontualmente em espaços urbanos, em contato direto com a rua, propõe para a Bienal um lugar, que já em sua forma, anuncia uma aproximação com a própria dinâmica da circulação e do encontro necessários para uma exposição desse porte. Em entrevista concedida recentemente, Ben van Berkel, arquiteto-chefe, define pontos que envolvem as aproximações entre sua poética, a potência construtiva da arquitetura e os interesses definidos por uma vocação específica, ou seja, uma arquitetura de negociação.

Você define o UNStudio como sendo um escritório de arquitetura com prática internacional, que concebe projetos tanto na esfera pública, quanto privada, em diversas escalas urbanas. Considerando que projetos arquitetônicos estabelecem estreitas relações com o espaço geográfico e social, assim como com recursos da criação que incluem atividades políticas e estéticas, como a prática poética se mostra em seus projetos? Qual a veia criativa do UNStudio?
Ben van Berkel: Projetamos com palavras. Se ao ler tais palavras você é capaz de construir frases ou uma cadência, isso é por sua conta. Há muitas maneiras distintas de ler e interpretar tais palavras. Às vezes há espaço para uma interpretação estética ou cultural, mas isso depende de cada indivíduo. Quando fazemos o projeto, preferimos evitar exagerar na didática e deixar a interpretação aberta para as diversas leituras possíveis.

Como é a troca e a interação entre os arquitetos e a rede cultural deste novo espaço de construção, que foca nesta “importante contribuição à arquitetura como disciplina” e que engloba “consciência ambiental, demanda de mercado e os desejos do cliente”?
BVB: Ultimamente acreditamos na arquitetura possível, que combina a preocupação ambiental e sustentável com os sonhos e desejos do cliente. Mas esse não é o aspecto mais importante para nós. Para nós, o mais importante é adicionar e reconfigurar o briefing do cliente, de modo que todos os desejos e necessidades logísticas do cliente estejam presentes na arquitetura, ao mesmo tempo em que o projeto tenha algo a mais, decorrente da virtude do processo criativo. Para nós, a faceta mais importante do nosso trabalho é o que adicionamos ao briefing original ou como adaptamos isso de acordo com o que queremos atingir nos nossos projetos.

Na sua proposta para o terreiro “Eu sou a rua”, a cidade e a rua são vistas como um ambiente expressivo, de negociação, além de uma metáfora da arte propriamente dita. Podemos observar que há três expressões interrelacionadas em seu Terreiro, sendo elas a arte, a política e a arquitetura, trazendo à tona um espaço de descoberta, reunião e negociação, e não somente um local, dentro de outro local. Como você estabelece as relações entre as esferas e fortalece sua forma de “ação”, tanto de maneira simbólica quanto formal?
BVB: Como você bem descreveu, é exatamente esse aspecto da negociação que eu quero introduzir nas possibilidades da nossa arquitetura. É uma excelente qualidade da arquitetura de hoje; ela pode ser posicionar em diversos níveis e ter novamente aceitação cultural para essa riqueza de significados e leituras. A arquitetura pode ter sua expressão cultural de forma semelhante à percepção ou interpretação da arte e os arquitetos podem incorporar essa mesma abordagem ao conceber seus projetos. Em dois projetos recentes que fizemos, por exemplo, brinquei com a ideia de procurar as sombras entre os prédios. Isso não tem um sentido literal, mas sim metafórico, que eu gostaria de tratar para falar da forma com que nossa sociedade opera nos dias de hoje. Esse processo é quase um dinâmico jogo de aprendizado através da produção de algo ativo, mas que não produz qualquer resultado explícito. A interpretação metafórica dos espaços pode ser semelhante à leitura de uma obra de arte. Assim, embora a mecânica e a abordagem possam ser bastante semelhantes, os resultados são diferentes.

Em relação ao espaço construído do terreiro (Youturn), você tem alguma sugestão de como o visitante pode usá-lo, como se fosse um “guia do usuário sobre possibilidades de interação”?
BVB: Gosto quando os prédios são organizados de uma maneira tal que se tornam um tipo de guia por si só, mas não de uma maneira linear; não é como escalar um montanha; é mais como se esse guia fosse ramificado e você pudesse descobrir os espaços sem necessariamente ter muita sinalização. Então, o guia do usuário é algo a ser descoberto à medida que você se movimenta no espaço. Não há exatamente um mapa.

O Terreiro “Eu sou a rua” tem uma vocação para debates, encorajando discussões e propostas de interação entre as pessoas. Quais as intenções e estratégias usadas no desenvolvimento dessa construção conceitual e formal?
BVB: Nada mais além do fato de querer criar um ambiente em que outras coisas possam acontecer, além da simples experimentação do objeto propriamente dito. O objeto então se torna também uma máquina de diálogo.

Observado do topo, o formato do Terreiro se parece com a Fita de Möbius. Há alguma referência a esse desenho, buscando ajudar na representação/construção de um fluxo não hierárquico em “Eu sou a rua”?
BVB: Sim.

Outra referência que parece contribuir para seu conceito de Terreiro é o teatro em formato circular, conhecido como teatro de arena. E há uma forte coincidência entre sua proposta e o local onde ocorre o debate Capacete, como você sabe. De que maneira você atualizou sua proposta arquitetônica no Terreiro? Quais são as interconexões entre os dois espaços?
BVB: A estrutura não se refere exatamente à arena ou ao teatro de forma literal. Na verdade, refere-se mais ao caráter de imanência do teatro.

Como conseguiu combinar uma proposta de acessibilidade, convidando à exploração do local, que ao mesmo tempo é “isolado” da área de maior movimento da exposição?
BVB: A estrutura está realmente presente para criar um marco e para funcionar como ponto de intersecção da exposição.

quarta-feira, 8 de setembro de 2010

quinta-feira, 2 de setembro de 2010

Steve Mcqueen


Biografia


Steve McQueen é um artista e cineasta britânico nascido em 1969, em Londres. Vencedor do Golden Camera no festival de Cannes, um Turner Prize e um BAFTA. Atualmente vive em Amsterdã.

Frequentou a Drayton Manor High School. Fez curso de artes em Hammersmith and West London College em seguida freqüentou a escola de Artes e Design no Chelsea College of Art and Design e belas artes no Goldsmiths College quando interessou-se por filmes primeiramente.

Saindo de Goldsmiths em 1993 estudou na Tisch School em Nova Iorque mas, ficou pouco pois considerou a abordagem do lugar experimentalmente insuficiente para ele.

Os filmes de Mcqueen são geralmente estrelados por ele mesmo, são minimalistas e em branco e preto. São influenciados pela nouvelle vague e pelos filmes da Factory de Andy Warhol.

Bear (1993) e DeadPlan (1997) - Releitura da cena do filme de Buster Keaton na qual uma parede de uma casa cai sobre o próprio Mcqueen que fica imóvel e é ‘’salvo’’ por estar posicionado exatamente na altura da única janela existente.

Estes dois filmes tem em comum o fato de serem em branco e preto e mudos. O primeiro filme de Mcqueen a ter som foi Drumroll (1998) que foi também seu primeiro filme a usar múltiplas imagens.O filme, realizado com três câmeras, foi também exibido em três paredes de uma sala fechada. McQueen tem uma única instalação: White Elephant (1998).

Em 2008, Mcqueen realizou o filme Hunger a respeito da greve de fome ocorrida em 1981 numa prisão da Irlanda e, por ele, ganhou os prêmios: Camerá d’Or (primeiro filme do diretor); Sydney Film Festival Prize; 2008 no Diesel Discovery Award no Toronto International Film Festival (pelo voto da imprensa que participa do festival); o New Generation Film 2008 no Los Angeles Film Critics e melhor filme no London Evening Standard Film Awards em 2009.

Atualmente está sendo cotado para a realização do filme Fela, sobre a vida do musico e ativista africano Fela Kuti.

Tradução livre do artigo da Wikipédia: http://en.wikipedia.org/wiki/Steve_McQueen_(artist)



Seleção de exibições solo

2009

British Pavilion, 53rd Venice Biennale; Queen and Country, Scottish National Gallery of Modern Art; Edinburgh and Middlesborough Institute of Modern Art, Middlesborough.

2008

Queen and Country, Royal Festival Hall, Barbican Centre, London and Liverpool Biennial; Pursuit, Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead, Tyne and Wear; Marian Goodman Gallery, Paris.

2007

Running Thunder, Thomas Dane Gallery, London; Gravesend/Unexploded, 52nd Venice Biennale, Venice; Queen and Country, Imperial War Museum, London; Gravesend, Renaissance Society, Chicago; Queen and Country, Central Library, Manchester, commissioned by the Imperial War Museum and the Manchester International Festival.


Seleção de exibições em grupo

2008

International 08, Liverpool Biennale; 7th Gwangju Biennale, Gwangju, Korea; Wizard of Oz, CCA Wattis Institute, San Francisco.

2006

The Starry Messenger: Visions of the Universe, Compton Verney, Warwickshire; Die Neue Kunsthalle III, Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Germany.

2005

Film: Illusion and Imagination in der Kunst, Staatliche Kunsthalle, Germany; En Attente, Forum D'art Contemporain, Luxenbourg; Atlantic and Bukarest, Kunstmuseum Basel, Switzerland; Do You Believe in Reality?, Taipei Fine Arts Museum, Taipei; WOW (The Work of the Work), Henry Art Gallery, Washington; Faces in the Crowd: The Modern Figure and Avant-Garde Realism, Castello di Rivoli, Turin, Italy; Time Clash, Museu de Arte Contemporanea de Serralues, Portugal.



Opinião de críticos

Resumo da reportagem Mourning Glory:

O autor comenta a respeito de muitos filmes de Mcqueen. No primeiro parágrafo o filme Girls, Tricky de 2001 é descrito da seguinte maneira: em 15 minutos de filme, Tricky(o produtor musical Adrian Thaus) está num escuro estúdio londrino e parece ter uma epifania enquanto executa um hino frenético e fuma seu cigarro. A câmera de Mcqueen o circunda e temos a impressão do desejo se transformando em sonoridade.

O jornalista afirma que o filme nos faz ver quanto controlado o momento de perda de controle pode ser e quão ultra-consciente pode ser ‘’martelar’’ o subconsciente.

O filme é tão apreciado que o jornalista o compara a ouvir músicas da Billie Holiday ou do Jimmy Hendrix ou assistir à cena de Fred Aster e Ginger Rogers e assemelha à algo que ele viu em Muhammad Ali quando ele nocauteou George Foreman.

No terceiro parágrafo o trabalho Once Upon a Time – que é a reprodução das imagens lançadas pelo Voyager II, da NASA em 1977 sobre a vida na Terra (esse projeto tinha a função de ‘’nos apresentar’’ aos alienígenas) com uma trilha sonora que pode ser muitas pessoas falando em uma língua que não existe ou talvez seja a junção de muitas línguas. O curioso é que não há imagens de morte, doença ou guerras. E daí vem a discussão de Mcqueen sobre quem somos e quem mostramos ser.

Um outro projeto de Mcqueen, citado no penúltimo parágrafo é o filme 7th Nov. de 2001um filme de 24 minutos em que vemos apenas a parte de cima da cabeça de um homem negro e a trilha sonora é Marcus, um primo de Mcqueen, assumindo como acidentalmente atirou e matou seu próprio irmão.


Mourning Glory


A British video artist engaged with history both as a participant and as an outsider


By Jerry Saltz Feb / 2005


Turner Prize winner Steve McQueen's steamy video Girls, Tricky (2001) shows the creative act unfolding. I melted while watching it. On-screen we see musician-producer Tricky (Adrian Thaws) deliver several takes of a manic song in a darkened London sound studio. McQueen's camera circles Tricky as he puts himself through a kind of psychic avalanche, performing a frenetic hymn, coaxing supernatural sounds from himself while smoking what looks like a giant spliff. Over the course of 15 minutes, we watch as lived experience, thought, and desire are transformed into sonic matter. Girls, Tricky lets you see how controlled this moment of losing control is and how ultra-conscious tapping into the subconscious is. At one point, just when you think Tricky is in another universe, he stops, opens his eyes, and calmly says, "That was good; let's do it again."


De Kooning famously said, "Content is a glimpse." Girls, Tricky provides a glimpse of something I've heard in the voices of Howlin' Wolf, Billie Holiday, and Roy Orbison; Johnny Cash, Kurt Cobain, and Dolly Parton on "Jolene." I saw it in Muhammad Ali just after he knocked out George Foreman, Marlon Brando in Apocalypse Now, the skipping dance of Fred Astaire and Ginger Rogers, and the way Warhol put his fingers to his pouty mouth. I can hear it in Miles Davis; Jimi Hendrix's "Voodoo Child"; the way the lead singer on "Louie Louie" barks, "Let's give it to 'em right now"; and now in Tricky's possessed song. It's the sight or sound of someone turning him- or herself inside out so that one of the selves that lives inside them can momentarily appear. For these reasons a young artist I know, Anat Elberg, calls Tricky "the black Vito Acconci." When someone renders something this raw this well, it begins a journey into forever.


Forever and the limits of identity are places McQueen is interested in—a limbo where self and culture intermingle, where fiction and reality blend into history. This intermingling is rampant in Once Upon a Time (2003), a majestic 70-minute video in which 116 of the images that were launched into space by NASA aboard the Voyager 2 space probe in 1977 are projected in Goodman's darkened main gallery. These pictures were meant to represent us to aliens. Here, each one is screened for a minute before it slowly fades into the next. Few viewers will likely see the entire work in one sitting.


Which may be the point. At this speed, the images are tyrannically oppressive. Kitschy, pious, and ragingly anal, all are universalizing representations of human- kind. We see babies being born, benevolent old folks, diligent factory workers, and decent farmers. Children play; animals walk in splendor; an astronaut floats in space. But there is no death or disease, no bad blood or sorrow. It's an after-school special by way of "The Family of Man." Roland Barthes lambasted such depictions as "amply moralized and sentimentalized." Homi Bhabha notes "the position of social authority" images like these assume. Susan Sontag asserts that pictures of this type "deny the determining weight of history." McQueen, who says they're about "our so-called knowledge," allows us to see all of them as a single picture—a portrayal not of who we are but of how we want to be seen. It's an American version of Leni Riefenstahl's Olympia, a sort of psychological black box that provides evidence of our attempt to manage images and deny death. This gigantic fake self-portrait clarifies why postmodernism and its ideas about pictures being biased took shape around the same time Voyager was launched. Once's soundtrack of people speaking in tongues highlights the aspirational side of these pictures, the hope that we're not alone in the universe.


In the rear gallery, the riveting 7th Nov. (2001) evokes another kind of speaking in tongues—the language of trauma and repentance. Projected for 24 minutes is the solitary image of a prone black man seen from the crown of his head. A pronounced scar runs across the top of his skull. On the soundtrack, McQueen's cousin Marcus recounts how he accidentally shot and killed his brother. It's a terrible story told with sorrow, insight, and verve. The stillness and stateliness of this black body—which contrasts with the horror of the story—recalls Mantegna's dead Christ and surrealist photos of truncated bodies. Here, the head is a black planet, an empty eye, or an abstract phallus. It is Rembrandt-esque, mysterious, and somber. The killing of a brother together with the scar suggest the mark of Cain. Rosalind Krauss has written about "images that do not decorate but rather structure the basic mechanisms of thought." That's what this image and soundtrack do. McQueen's 7th Nov. is a contemporary history painting, a modern-day Death of Marat. It is a requiem and a confession, a cautionary tale about being human and being black, and an allegory for white society's discomfort with blackness.


McQueen is a very serious artist. His work is sumptuous but laced with bittersweet mourning and the feeling that he's engaging with history both as a participant and as an outsider. His vision is grand and symphonic, and so is this show.



Trechos de uma entrevista com Steve Mcqueen (14 setembro, 2009)

Por Laura Barnett

O que o fez começar?

Poder desenhar desde pequeno. Quando eu tinha quatro ou cinco anos, um desenho que fiz da minha família foi escolhido para ser publicado num banner da livraria Shepherd's Bush em Londres. Eu me lembro de passar por ele com meu pai e minha mãe, me sentido orgulhoso.

Qual foi sua maior revelação?

Alguém me pagando muito dinheiro por um filme em 1995. Eu estava trabalhando meio-período no Marks & Spencer,e pensei ‘’Oh, agora eu posso largar o trabalho’’.

Qual canção você escolheria como a trilha sonora da sua vida?

Blue in Green do Miles Davis. É tão boa. É como o blues. É como a cara do Buster Keaton.

O mundo da arte é focado no dinheiro?

Estou cheio do mundo da arte, pra falar a verdade. Ele não vai muito além do seu próprio rabo e fica chato.

Qual o maior problema da arte hoje?

Falta de ambição, e medo.

Tem alguma verdade em dizer 1% de inspiração, 99% tranpiração?

Eu diria que é mais 50/50. O esforço necessário para trazer uma idéia para o mundo real pode ser épico.

Qual a pior coisa que alguém disse a respeito de você?

Tento não lembrar de nada ruim. A maioria dessas coisas foram ditas quando eu estava na escola, pelos professores: ‘’Mcqueen, você não vai chegar a lugar algum.’’. No geral, acho que tive muita sorte.

Tradução livre do artigo do The Guardian.



Reflexão autoral



Steve Mcqueen é um artista completo. Acho que ele poderia também estar na Pele do Invisível ou no Dito, Não dito, Interdito. O trabalho de Mcqueen vai da grande crítica política - o seu trabalho Queen and Country, por exemplo, que foi a impressão de selos com os rostos dos soldados ingleses mortos na guerra do Iraque - à reflexões totalmente subjetivas como em Once Upon a Time.

O trabalho que virá para a 29ª Bienal, Static, é uma filmagem da Estátua da Liberdade de diversos ângulos (algo recorrente em Mcqueen) e propõe uma reflexão sobre o que é a liberdade nos dias de hoje e como vivemos com ela (ou se realmente a possuímos).

Acho que é importante discutir todas essas questões no terreiro do EU SOU A RUA já que elas atingem a todas as pessoas, em todos os lugares. No caso de Mcqueen a ‘’rua’’ é uma metáfora para o mundo.



Bibliografia

http://www.artfund.org/queenandcountry/index.php site do projeto ‘’Queen and Country’’

reportagens:

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2009/sep/14/steve-mcqueen-artist-filmmaker entrevista The Guardian.

http://www.villagevoice.com/2005-02-01/art/mourning-glory/ reportagem Mourning Glory

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/jonathanjonesblog/2008/jun/26/canstevemcqueensavebritish - artigo sobre Mcqueen na Bienal de Veneza (junho, 2008)

videos:

http://www.youtube.com/watch?v=yeaTWZTqC2Q&NR=1 - extrato do filme Deadplan

http://www.youtube.com/watch?v=s2K9ZeBe-HA&feature=related - extratos de filmes do Buster Keaton

http://www.youtube.com/watch?v=Mw7WJLZmVF4 - trailer do filme Hunger

http://www.youtube.com/watch?v=79lV_EEOaiI - Mcqueen falando sobre Hunger

http://www.youtube.com/watch?v=AjQyN8refrc - Mcqueen falando sobre sua participação na Bienal de Veneza